De la maestría ancestral de la artesanía a la contemporaneidad: Castilla-La Mancha diseña 

Exposición: “Castilla-La Mancha Diseña. Volver a la esencia” 
Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa
(Plaza de Colón, 4. Madrid)
Fecha: 08.02 – 17.03.2024

Castilla-La Mancha es el proyecto invitado de Madrid Design Festival 2024. “Castilla La Mancha Diseña. Volver a la esencia” es una muestra de artesanía en clave contemporánea   

Comisariada por Tomás Alía, la exhibición recoge cómo la artesanía es capaz de borrar las fronteras entre disciplinas y reinterpretar la contemporaneidad. Una reflexión que invita a valorar el trabajo manual para recuperar su esencia.  

Entre los autores, figuran Aitor Saraiba, Wool Dreamers, Fernando Garcés, Fernando Alcalde y Marian Delgado; y el montaje audiovisual corre a cargo de Eugenio Recuenco  

Madrid, 8 de febrero de 2024. Castilla-La Mancha es uno de los mayores referentes históricos de artesanía de España. La cerámica, el textil, la joyería, el vidrio, la forja, la cuchillería, el mueble y el cuero son algunos de los materiales que, junto con sus técnicas y herramientas, han dado lugar a uno de los mayores legados artesanales del país, gracias a oficios y tradiciones que siguen vigentes y que, desde el diseño, se redibujan como contemporáneos sin perder su identidad.   

“Castilla-La Mancha Diseña. Volver a la esencia” es una exposición comisariada por Tomás Alía que presenta todo ese conocimiento y maestría en clave contemporánea, con piezas exclusivas creadas para la exposición. Un proyecto realizado a medida para Madrid Design Festival que se presenta como el proyecto invitado de esta edición.   

“Esta muestra pretende provocar, dialogar, generar contenido y reflexionar en torno al conocimiento y saber hacer de los oficios artesanos de Castilla la Mancha y sus nuevos talentos creativos, a partir de siglos de tradición, maestría artesana y conocimiento que se combinan en sus talleres con nuevas voces creativas y frescas. Mi trabajo como comisario es reunir a los máximos exponentes de esta tierra en torno a los oficios tradicionales y presentar sus trabajos en clave contemporánea”, explica el diseñador Tomás Alía, comisario de la muestra.  

Su selección de piezas transmite la pluralidad y la vanguardia de la artesanía contemporánea castellano-manchega y proyecta la efervescencia creativa de una región donde sus creadores investigan sobre nuevos materiales, técnicas y diseños que beben de tradiciones e influencias centenarias.  

Bajo un hilo conductor audiovisual ideado por el cineasta y fotógrafo Eugenio Recuenco, la muestra recibe al visitante con unas proyecciones que sumergen en los talleres artesanos, en sus materias primas, en sus procesos y detalles creativos, en los sonidos de la artesanía y en las emociones que se despiertan al trabajar desde las manos.   

En el centro de la exposición, una cápsula del tiempo fabricado en mimbre alberga dos de las grandes maestrías artesanas de la región: la cerámica de Pedro Mercedes, gran referente de la cerámica de Castilla la Mancha, y unos textiles del siglo XVIII de Lagartera. Las raíces de un conocimiento que aún hoy sigue deslumbrando al mundo.   

A partir de una selección de autores y piezas de la zona, la exposición indaga sobre los vasos comunicantes entre música, imagen y estética, con el fin de borrar fronteras entre disciplinas y de crear, reformular, profesionalizar y visibilizar, pero, sobre todo, de materializar, para poder interpretar la contemporaneidad.  

Identidades plurales, profesionalización, valor cultural, excelencia y origen se dan la mano en esta muestra de iniciativas apasionantes, artistas rompedores y amantes de lo puro. Entre los autores participantes, figuran Aitor Saraiba, Wool Dreamers, Fernando Garcés, Fernando Alcalde y Marian Delgado.  

Sergio Rosa. Artesanía Eustaquio Rosa  

Tres piezas tejidas en un sistema ya extinto, llamado “la hoja de la rosa”. La urdimbre es algodón y la trama es de lana local. La fecha de fabricación es de la década de 1960 y el artesano es Eustaquio Rosa, fundador del taller y padre de Sergio Rosa, quien sigue trabajando en los mismos telares.   

Este sistema de tejeduría se caracteriza por tener unos labrados grandes y en relieve. Gracias al grosor y a los materiales, estas prendas eran utilizadas normalmente como colchas y, rara vez, como alfombras.   

Pedro Mercedes. Artesanía cerámica.   

Desde Cuenca, protagonizando el corazón de la exposición, encontramos estos “Cacharros” de Pedro Mercedes. Término amoroso, que no vulgar, con el que él mismo se refería a la parte de más importancia artística de sus piezas. Adaptándose siempre a la forma que salía del torno, la embellecía, decorándola aprovechando hasta el último rincón. El “horror al vacío” será una característica de su obra.  

Luis Machi. Artesanía en vidrio soplado   

Esta técnica, en su versión más pura, no ha experimentado apenas cambios en más de ocho siglos, concretamente desde que en el siglo XIII Venecia desarrollara y perfeccionara esta técnica al más alto nivel. Desde entonces, tanto la técnica como las herramientas y el procedimiento han permanecido prácticamente inalterables.   

Aurelio Arce. Artesanía en madera   

Piezas torneadas de forma manual en madera procedente de árboles locales: olmo y nogal. Esta colección presenta una serie de cuencos torneados a mano, dejando al descubierto la historia del árbol del que procede la madera, siendo protagonista el elegante veteado que hace, de cada uno de ellos, una pieza única.   

Marian Delgado, escultora y diseñadora.  

La diseñadora presenta tres piezas únicas. La primera es la lámpara Leaf, que representa un contraste de emociones. La parte inferior la forma un mosaico de hojas entrelazadas que transmiten movimiento en todas direcciones. Frenesí, ritmo, incluso caos. Se sustenta en la parte superior por grandes flores ordenadas que representan la simetría, la calma y un equilibrio elegante.   

Verso libre tiene identidad propia y obliga al espectador a terminarla, a imaginar entidades complementarias sujetas a estados de ánimo concretos. Imprevisible, cambiante y divergente. Un proyecto que comienza con una forma libre, no sujeta a canon.   

Bodegón geométrico es una composición de vasijas entrelazadas. Figuras cambiantes que forman parte de un todo. La interacción entre líneas curvas y rectas descubre la materia y su ausencia. Las bolas hacen referencia a un popular juego. En este caso, los volúmenes en la parte inferior captan la atención del espectador acerca de lo terrenal.   

Maria Camisón. Artesanía en porcelana  

María Camisón, a través de su obra, utiliza la adormidera para explorar las complejidades del consumo de opiáceos, en particular entre las mujeres. Con estas piezas de porcelana trabajadas a mano y unidas a través de soga, la artista representa diferentes aspectos de la planta: desde su fuerte naturaleza hasta su frágil estereotipación. Con este gesto, la artista cuestiona el androcentrismo de la medicina occidental y, en especial, el exceso de medicación y los diagnósticos erróneos que influyen en la percepción y tratamiento de los cuerpos femeninos.   

Fernando Garcés. Artesanía en porcelana  

En su trabajo, conviven en armonía materiales aparentemente opuestos, desde las blancas e impolutas porcelanas, a las ásperas arcillas refractarias, potenciando más, si cabe, las calidades y cualidades de cada una de ellas.Las pastas, en ocasiones desnudas, evocan los colores de la tierra, y muestran las huellas del alfarero como única decoración. El reflejo metálico, los lustres y la aplicación de oro son una constante en su trabajo. Los limpios perfiles, reducidos a su esencia y despojados de toda distracción, se centran en la sobriedad, la tranquilidad, el ritmo, la proporción y el movimiento, para transmitir de una forma atemporal la esencia de una actividad milenaria.   

Taller de Cerámica de San Ginés en colaboración con Andrea Santamarina   

Platos es una colección inspirada en el libro “Los seres imaginarios” de Jorge Luis Borges. Se trata de un conjunto de piezas que recuperan la tradición de pintura sobre cerámica talaverana, un oficio principalmente realizado por mujeres.  

Nude es una colección de cerámicas reversibles donde las siluetas aparecen en ambos lados de las piezas hasta formar un todo al voltearlas y colocarlas en distintas posiciones. Se trata de cuerpos sin un género concreto, que son plasmados en una suerte de objetos escultóricos para la mesa en gran formato (unos platos, una bandeja y un cálice).   

Aitor Saraira. Artesanía textil  

La obra textil de Aitor Saraiba cumple 20 años y, para celebrarlo, en esta muestra se verá una de las primeras obras textiles que realizó en Manchester en el año 2003 y que resume lo que sería su obra a partir de entonces: el arte como catarsis, el textil recuperado y reciclado como soporte, las puntadas salvajes y las pinturas a veces casi rupestres que las pueblan. La exhibición ofrece una oportunidad única para ver los inicios y el presente de la obra textil de este premio ICON de Artesanía.   

Las cerámicas de Aitor Saraiba llevan más de una década reivindicando el diseño tradicional junto con sus aliados del Centro Cerámico, con los que trabaja desde 2010 defendiendo una técnica que es Patrimonio de la Humanidad de su ciudad y aplicando diseño para la supervivencia de la cerámica.   

El mundo onírico, mágico y autobiográfico se ve reflejado en las piezas de la muestra con su imaginario más propio e íntimo, que convierte la cerámica en esculturas y tótems de una nueva cultura que mira al futuro sin olvidar las raíces.   

Leandro Cano colaboración con Dejuan Vajillas (Fran Agudo)   

Leandro Cano se une con Francisco Agudo (DeJuan Vajillas), diseñador y artesano, para presentar esta obra de arte. La evolución en el trabajo de Leandro Cano ha ido de la mano de su propia vida. Desde muy joven siempre ha estado rodeado de artesanos, de artistas, de pintores y de escultores, aprovechando su talento para intervenir con sus disciplinas en las colecciones. En su última época, ha empezado a trabajar los volúmenes en materiales más duros, como la cerámica y la arpillera, hasta llegar a trabajar trajes completos hechos completamente de esparto.   

En esta ocasión, nos presenta una joya a gran escala realizada al completo en barro cocido, fabricada completamente de forma artesanal en el taller de Francisco Agudo.   

Fernando Alcalde   

Conjunto de cilindros en porcelana de medidas diversas que permiten realizar composiciones variables e infinitas. Esmalte «sang de boeuf» o rojo de cobre. Lanzas realizadas en porcelana, trabajadas con impresiones, esmaltes cerámicos y óxidos metálicos, con cocción en atmósfera protectora entre 1.280 Co y 1.300 Co. Fibras vegetales, plumas y cuentas rematan estas piezas que van colocadas sobre soportes y varillas de acero laminado.   

Wooldreamers (Ramón Cobo) junto a Concepción Moreno Santa Maria (Chirri)   

Los hilos utilizados en esta pieza son rastreables y provienen de lana de pastores locales con un enfoque sostenible y justo. La pieza incorpora detalles de vellón negro y utiliza hilos procedentes de las familias colaboradoras con el proyecto Wooldreamers, que pastorean Razas Autóctonas Castellano-Manchegas en peligro de extinción, como la Raza Manchega Negra y la lana de miembros de la asociación de criadores de Raza Talaverana.   

Con esta aleación, la artista Concepción Moreno Santa María (Chirri), crea “Hilando el cielo”: una pieza, cuya base nace en el telar de Wool Dreamer, con Ramón. Lana y papel se funden en la trama, que borda con variaciones libres de puntos tradicionales. Sólo unos cuantos colores, añil, azafrán se entremezclan con los de la tierra.   

En resumen, esta pieza artesanal representa un legado de ética, sostenibilidad y empoderamiento trazable. Los pastores locales, la selección de vellones y los artesanos que han tejido y bordado esta pieza han dejado su huella en esta creación única que impulsa de forma ética y sostenible la excelencia de la artesanía.   

Justino del Casar  

En sus obras, propone reflexionar sobre lo efímero de la producción humana en la actual sociedad de consumo y el poder dignificador del arte. Pretende jugar con el concepto de dignificación, dotando de nuevos atributos a materiales destinados a ser destruidos y que están presentes en nuestro día a día: documentos bancarios, embalajes de envíos postales, propaganda comercial… Objetos que pasan inadvertidos, que han sido desposeídos de su valor en cuanto a objetos, pero que son inseparables al tránsito cotidiano de los días.   

Su obra invita a una reflexión sobre el concepto de temporalidad. Las nuevas formas que adquieren estos materiales consumibles recuerdan a ánforas romanas, máscaras tribales, vasijas funerarias… objetos que han resistido al paso de los siglos y que han vencido a la voracidad consumista inherente a la sociedad actual.   

También hay algo en su obra de reubicación humana. El antropomorfismo presente en algunas de sus piezas (fémures, gónadas sexuales, abdómenes y pechos) resitúa al ser humano, a su naturaleza, a su esencia, en un lugar por encima de los objetos que crea para su consumo.   

Artesanía del bordado en oro San Julián  

En este taller artesano se elaboran todo tipo de piezas que contienen como ornamentación las distintas técnicas del bordado en oro. Una parte de la producción se centra en el mundo cofrade; estandartes, vestuario de imágenes, palios, gualdrapas, etc. Otros trabajos están relacionados con la repostería heráldica: enseñas, banderas, colgaduras y reposteros institucionales. Especialmente diseñados para esta ocasión, se presentan apliques fabricados en cuero y bordados en oro.   

Pepita Alía  

La » Tesoro Viviente » Pepita Alía, Labrandera Lagarterana, 93 años proyecta estos individuales de almuerzo “Ras». Suponen la síntesis de la técnica del plegado y empasillado de la camisa de Ras o leyes, de la mujer de honor de Lagartera ( jamallera)   

Madrid Design Festival 2024  

La séptima edición de Madrid Design Festival volverá a convertir a la capital en referente de esta disciplina, entre el 8 de febrero y el 17 de marzo de 2024. Los entornos de creación alternativos, la fuerza unificadora del diseño, el diálogo o el entendimiento entre profesionales, empresas e instituciones son los pilares de esta nueva edición que reúne, hasta la fecha, 53 exposiciones e instalaciones; 177 marcas, instituciones y espacios y la participación de 695 profesionales en la próxima edición de 2024.  

En esta edición, y bajo el lema común de las anteriores ‘Rediseñar el mundo’, MDF quiere reivindicar el diseño como la herramienta capaz de promover un diálogo y aportar una nueva mirada a los problemas y circunstancias que marcan el día a día, aportando soluciones de una mesa de diseño.  

De esta manera, Madrid Design Festival pondrá en diálogo el diseño con disciplinas que van desde la ciencia, a la moda, la música, el arte y la artesanía, pero también desde el diseño se hablará de cuestiones que inciden y afectan a la sociedad como la despoblación o la soledad en los jóvenes. Una conversación que se materializará a través de exposiciones, instalaciones y encuentros con las principales figuras del diseño nacional e internacional y que convertirá Madrid en el epicentro del diseño europeo durante el mes de febrero.